lalo borja

A la muerte de Irving Penn

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Mon, 04 Jan 2010 16:32:00 +0000

La muerte de Irving Penn, ocurrida el 7 de octubre de 2009, trae consigo el cierre de uno de los más productivos e innovadores capítulos en la fotografía norteamericana del siglo xx.
Su historial artístico y comercial deja una larga estela en el firmamento fotográfico de los últimos setenta años. La visión de Irving Penn, su elevada mirada de esteta, enmarca bajo su rúbrica todo lo que toca y concibe. Bien sea su trabajo de modas, en el que sobresalió dejando como herencia una escuela establecida; o su iconografía personal, donde el retrato artístico ha sido reconocido y entronizado como una de las más contundentes manifestaciones de la forma.
Frente a su lente desfiló toda una generación de artistas célebres, representantes de cada disciplina creativa en un siglo que nunca estuvo falto de luminarias, Picasso, Marcel Duchamp, Miles Davis, Truman Capote, Jean Cocteau, Tennessee Williams, Rufino Tamayo y otros tantos vienen a la memoria.
Existe la tendencia a restarle importancia a su producción no comercial, aquella que nos muestra al verdadero artista explorando otras avenidas en pos de hallazgos minimalistas.
En 1977 asombra a los críticos con fotografías gigantescas que otorgan carta de ciudadanía al detritus del consumo: colillas de cigarrillos y latas de bebidas tiradas en el cordón de la vereda, minucias sin valor trajinadas y modificadas por el tráfico automotor y descoloridas por la lluvia, el óxido y la contaminación en la superficie del concreto.
La magnificación de lo cotidiano-deleznable se les puede llamar a estos objets d’art, buscados y hallados en las calles de Manhattan y validados por un artista que respiraba inquieto bajo el manto de fotógrafo de modas.
No es equiparable, es cierto, con su trabajo de inmaculada calidad en el que la belleza objetivizante de su trabajo comercial, la suma de sus partes perfectas, se nos muestra como el resultado de una escuela estética. Es, sin embargo, una manifestación del artista que trata, y logra, romper los esquemas impuestos por la rigurosa dictadura de los medios que venden objetos de consumo para la clase media alta: el consumidor nato en la cultura norteamericana.
Penn lo define de esta manera: “ Mi clienta es una mujer en Kansas que lee Vogue. Trato de intrigarla, estimularla, alimentarla…” .
Posteriormente y en referencia a sus retratos declara: “El retrato severo que no brinda un gran placer al sujeto del mismo puede ser enormemente interesante para el lector…”
En el París, Londres y Nueva York de 1950 sale en busca de personajes que habrán de enriquecer la galeria de oficios varios e insignificantes: el barrendero, el buhonero, el vidriero, el panadero, el afilador de cuchillos, el bombero y demás; sirvientes todos del público y cuya labor pasa siempre inadvertida.
Esta tipología, especie de taxonomía fotográfica, permanece unida al canon esencial del artista. El trabajo de August Sander en la Alemania anterior al nazismo acude de inmediato a la mente.
Es evidente el interés de Penn por el tipo medio, aquel que no despierta interés y que, además, le lleva a contravía de su trabajo de modas, donde la sublimación de la belleza cosmética impuesta por los medios esconde y subvierte la verdadera cara de la realidad que experimenta el común de los mortales.
Su trabajo de desnudos titulado Cuerpos Terrenales, es un compendio de la búsqueda del artista que se aleja del territorio conocido y se aventura sin extraviarse, valga decirlo, entre bosques por descubrir.
El libro nos muestra en gran detalle el cuerpo femenino tallado por la expansión de la carne donde queda inscrita sin ambages la transformación ejecutada por el paso de los años.
Los vientres regordetes, los amplios muslos y nalgas portentosas de una estructura femenina que evidencia la marcha inexorable del tiempo; la maternidad, los efectos de la vida sedentaria y demás secuelas de lo real, forman el corpus de su virtuoso discurrir visual.
Mención especial merece su trabajo realizado en sus viajes por muchos países, en los que captura dentro de un estudio ambulatorio, hecho de una carpa desarmable y postes de aluminio, los más variados y extraordinarios sujetos: tribus fantásticas de las que nunca hemos escuchado, hombres y mujeres de apariencia por completo fuera de lo común: aborígenes en Nueva Guinea, gitanos de Extremadura, hippies de San Francisco, niños indígenas en Perú, los cuales publica en su libro titulado Mundos en un Cuarto Pequeño, en 1974.
Penn, nacido en Nueva Jersey en 1917, comenzó su trabajo como fotógrafo de modas en la revista Vogue en 1940. En 1944 deja la revista y se enlista en el ejército norteamericano para la campaña de Italia, durante la Segunda Guerra. Posteriormente viaja como fotógrafo en la India para regresar a Vogue en 1946 a cubrir reportajes de moda y viajes.
En 1950 inicia su trabajo como retratista y su asociación con la influyente revista le abre las puertas de las luminarias artísticas y literarias de la época.
Su trayectoria le eleva a un sitio prominente en la galería de los grandes fotógrafos de su tiempo. Un tiempo que le vio trabajar desde antes de la mitad del siglo pasado hasta su muerte a los 92 años, todavía activo en la primera década del siglo que recién empieza.

Vista del atardecer en Saint Ives

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sat, 05 Dec 2009 15:59:00 +0000

Desde el pequeño balcón la bahía aparece más diminuta de lo que en realidad es. Las nubes dotan la escena de una aire de irrealidad y el antiguo malecón se adentra en el mar con su brazo de pulpo en agonía. El hueco abierto entre las nubes, que tienen más aspecto de pintura que de amenazante borrasca, abre de repente una ventana por la que baja un chorro de luz como quien ilumina al actor en un escenario de teatro. La tarde transcurre. La vida prosigue su marcha, el mar va y viene con su lengua salada a lamer la blanca arena de este bella aldea de pescadores.

La noche de las palomas blancas

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sat, 05 Dec 2009 15:43:00 +0000

El día se hizo noche por arte de magia de un negativo que se niega a ser convertido en positivo. La luz cenicienta que baña las estatuas de la Plaza de Trafalgar se torna noche profunda. Se alborotan los pájaros cada vez que los niños embisten correteando la manada. Cientos de palomas sucias picotean el pavimento buscando las migajas que caen de emparedados que muerden ansiosos quienes visitan la plaza capital. Es hora del almuerzo y tres cuadras más abajo, en frente al cenotafio, Inglaterra entierra a la Reina Madre. Los turistas se apresuran a capturar la escena con sus teléfonos portátiles.

Antaño...V-5-78

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sat, 05 Dec 2009 15:26:00 +0000

Otrora el tiempo alucinado abría
Ante los ojos el espejo infinito.

Has abrazado con ansia de infarto
Todo aquello que a tu paso hallabas...

En qué invisible trazo
persiste inatrapable el gesto?

Es hoy, es ya, memoria?
Es el ayer, tal vez, la nada...?

La reencarnación del David

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Tue, 01 Dec 2009 19:41:00 +0000

Fotografía: Fernando Cruz, Bogotá, Colombia

“De hecho, son muchos los usos de las innumerables oportunidades que la vida moderna nos ofrece para observar –a distancia, a través del medio fotográfico- el dolor ajeno. Las fotografías de una atrocidad dan cabida a reacciones opuestas. Una llamada a la paz. Un llanto que clama venganza. O simplemente el convencimiento superficial, continuamente confirmado por el hecho fotográfico, que cosas terribles suceden.”
Susan Sontag “Observando el Dolor Ajeno” (1)

David (2005), obra del artista colombiano Miguel Ángel Rojas, nos lleva a una encrucijada difícil de dilucidar. Es el dilema que dota de peso específico a todo gran arte: aquel que resume en su fibra una multitud de interrogantes. El arte como agent-provocateur, donde se nos muestra de manera unilateral lo que quiere demostrar su presencia, lo que propone en su existencia con ánimo de producir una reacción.
En fin de cuentas, el arte como manifiesto político ante cuya visión debemos tomar partido en pro o en contra. Rojas ha concebido una serie de fotografías usando el cuerpo mutilado de un joven soldado. La obra está compuesta por una secuencia de imágenes en gran formato en las que vemos desde varios ángulos con sutiles variaciones un desnudo masculino.
La reacción que suscita esta puesta en escena nos lleva a interiorizar de inmediato y a distancia el dolor ajeno. Tarea imposible a todas luces ya que la herida le ha sido infligida a alguien más cuyo cuerpo no es el nuestro ante el cual asistimos como espectadores.
Es evidente la relación que existe entre el soldado de la fotografía y su predecesor, el David clásico, la escultura que Michelangelo Buonarroti esculpió entre 1501 y 1504.
El ensamble con mínimas variaciones de cuadro a cuadro refleja a manera de espejo varias caras repitiendo la pose de escultura renacentista. El cuerpo entero descansando incómodo sobre la única pierna disponible enfatiza el muñón y lo instaura leitmotiv, punto de encuentro con la obra y hacia donde se dirigen todas las miradas.
El resultado a primera vista, horror, repudio, solidaridad, pone de presente la cruenta verdad sobre las minas antipersonales en Colombia y, por extensión, en otros países donde se siembran minas para causar horribles lesiones de forma indiscriminada.
“Quiebra-patas” les llaman en Colombia a esta variedad inhumana del conflicto con cierta evidente sorna ya que quienes más sufren no son los semovientes: son en su inmensa mayoría seres humanos, soldados, campesinos, niños y adultos; hombres y mujeres. (*)
La obra lleva de inmediato a preguntarse cómo puede una sociedad asumir pasiva aquello que a muchos asombra estupefactos: la diaria dosis de violencia, la alta cuota anual de lisiados y muertos en los campos minados.
Estos interrogantes nos acusan de complicidad porque hasta entonces hemos asistido anestesiados a las noticias en la tele o la página de horrores en el diario. Miguel Ángel Rojas ha creado una obra conmovedora a partir de una fotografía cuya historia es la diaria realidad de un país convulsionado.
La imagen del soldado David, tan austera, tan posesa de estoicismo, es un compendio de pathos inefable dentro de la cual se atisban todas las iconografías desde el Renacimiento hasta el posmodernismo. El arte se nutre de la historia que le ha precedido o se crea a sí mismo según las exigencias del momento actual.
Es evidente que la obra de Rojas con su soldado mutilado evoca, rinde homenaje y establece como referente la escultura de Michelangelo en Florencia. Empero su alcance está diseñado a agitar nuestro sentido de repulsión frente a lo que se nos muestra como un hecho cotidiano, algo de común ocurrencia en un país violento. Que lo haya logrado con una pieza de retablo clásico es altamente meritorio.
Rojas ha reencarnado el David de quinientos años en un hombre joven que no llega a los treinta y nos lo presenta lisiado, castrado a medias, y no por eso menos poderoso que el original en su pose de guerrero bíblico.
Es lícito preguntarse si las dos obras, la nueva y la antigua, son productos del arte al servicio de una causa y si ambas actúan como propaganda. La lectura inicial sugiere una aproximación al arte de academia más que al manifiesto que llama a la acción y, sin embargo, ambas piezas de arte incitan a tomar partido. El uno, en su época a favor de un estado, el de la Florencia de los Medici y el otro, el colombiano, a favor de los lisiados civiles y militares en una guerra sin cuartel.
Es quizás por este motivo que cuanto más observo este David más pienso en la Venus de Milo, semidesnuda, sin brazos, desvalida; eternamente atada a un destino marmóreo imposible de cambiar, al igual que el soldado sin su pierna.
La obra sugiere, por un lado, un hondo sentido de impotencia, la supina inoperancia de un sistema de gobierno para proteger su población. Y, por otro, las acciones de un grupo guerrillero dando palos de ciego desde lo profundo de la selva, originando oposición y repudio desde las paredes en una galería de museo.
Es allí, a partir de la lucidez demostrada por esta obra de inmenso coraje, desde donde se puede empezar a librar la batalla más ardua: la del entendimiento.

(1) Susan Sontag – Regarding the Pain of Others
Hamish Hamilton an imprint of Penguin Books-2003

(*) Minas antipersonales. En 659 municipios de Colombia hay sembradas minas antipersonales; 289 más que en el año 2.000. En los últimos cinco años, 2.358 personas han sido víctimas de estos artefactos.

Madre, noviembre 25 de otro año

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Wed, 25 Nov 2009 07:37:00 +0000

Ella mira hacia afuera, hacia el espacio abierto sentada frente a la ventana. Corrían otros días y otras fechas y el futuro no había todavía instaurado su mano férrea en nuestras vidas de manera definitiva. Y si ya lo había hecho no llegamos a sentirlo por aquél entonces.
Hoy me queda su recuerdo grabado en papeles untados de sales de plata poblados de gestos sutiles y de tesoros que la nada habrá de disolver con el paso inexorable del tiempo.

Marina Salazar de Borja, abril 23, 1922-noviembre 25, 2007

Bulteadores, Otavalo, Ecuador 1979

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Thu, 19 Nov 2009 15:34:00 +0000

En mi infancia los vi cada fin de semana cuando acompañaba a mi madre al mercado. Crecí mirando sin simpatía a estos hombres y niños que se ganaban la vida, si es que se le puede llamar así a esta ocupación en la que el hombre ha asumido la posición de bestia de carga.
Les llamábamos bulteadores, aquellos que cargan bultos, pero no se limitaban simplemente a ello. También cargaban racimos de plátano, cajas de cerveza y gigantescos canastos y costales repletos de víveres hasta las casas de las señoras, donde sudorosos recibían un par de monedas por su esfuerzo y cuando estaban de suerte un vaso de agua.

Reflections at le Petit Palais, Paris

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Thu, 19 Nov 2009 15:29:00 +0000

Janet Maxwell, painter, Whitstable, Kent

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Thu, 19 Nov 2009 15:24:00 +0000

Jack London, Fotógrafo

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sat, 31 Oct 2009 20:03:00 +0000

Gente del Abismo
El legado fotográfico de Jack London, famoso escritor californiano de principios del siglo xx, es desconocido para el gran público. Con excepción de un puñado de especialistas en su obra casi nadie conoce lo que este hombre, bohemio, socialista y viajero incansable, produjo durante el corto espacio de sus aventuras con la cámara, en una vida que duró tan sólo cuarenta años de interminable peregrinar.
Gracias a mi amigo Philip Adam, californiano de nacimiento y de crianza, excelente fotógrafo quien tuvo en su adolescencia la fortuna de aprender con el inolvidable Ansel Adams los rudimentos del arte de Daguerre y de Talbot, ha llegado a mis manos una serie magnífica de fotografías tomadas en 1903 por el escritor London, en la ciudad que da origen a su apellido. Philip Adam, ha trabajado los últimos cuatro años rescatando del olvido el trabajo fotográfico del escritor.
Fue en Londres que Jack London produjo las imágenes para un libro acerca de los desposeídos, los sin-hogar que por aquella época deambulaban por las calles del barrio Oriental de la urbe, en busca de un mendrugo o un día de trabajo para paliar el hambre, al menos de manera transitoria. Jack London armado de cámara y una vision altamente sensible, hizo un retrato sin igual de aquella era y lo llamó Gente del Abismo. Es un homenaje a la gente que sin importarles qué tan grande y amenazante la miseria, logran sobrevivir y sobrellevar el drama profundo de sus vidas.

Philip Adam

Jack London

GENTE DEL ABISMO

The world is changing

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Mon, 26 Oct 2009 09:07:00 +0000

La mano protectora

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Thu, 15 Oct 2009 15:32:00 +0000

Joel-Peter Witkin

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Thu, 01 Oct 2009 21:53:00 +0000

Por más de treinta años el trabajo fotográfico de Joel-Peter Witkin ha sembrado el desconcierto, por no decir terror, entre quienes se encuentran de buenas a primeras con su trabajo artístico. Aquellos que admiran en la fotografía su antigua capacidad innata de deleitar la vista, deben de una vez por todas cubrirse los ojos escandalizados ante su arte y dar la espalda, antes de echar a correr en dirección contraria.

Witkin ha hecho de lo grotesco una carrera meteórica y ha cosechado en su trayectoria homenajes por todo lo alto en el escalafón de la cultura internacional. Su producción fotográfica asombra con un arte poblado de monstruosidades y retruécanos visuales, donde la exploración del subconsciente y la re-creación de temáticas ya tratadas por artistas clásicos resucitan en portafolios donde no existe el absurdo, ya que éste ha sido reemplazado por lo bizarro, lo lúdico y, en últimas, lo fantasmagórico-alucinante.

El trabajo de Witkin no admite veleidades ni ligerezas: se le admira o se le odia. Hay mucho de sublime en su tarea mesiánica de reivindicar el espanto. Y, sin embargo, sus retablos cargados de horror nos muestran una búsqueda sin igual de una visión que persigue atrapar en esta época lo que hicieron en la suya seres tan influyentes como Bosch, Goya o Francis Bacon.

Sus naturalezas muertas hacen uso del cuerpo humano, bajado de su pedestal y transformado, con adornos o sin ellos, en mercancía artística y nos obligan a ver sin vergüenzas la fibra de la carne humana en toda su cruda verdad. Algunas de sus obras muestran a simple vista el costillar y el cartílago de seres fotografiados en la morgue o el instituto de medicina legal como si fuesen reses colgadas del gancho en la carnicería.

Sus creaciones fotográficas nos descubren visiones imprevistas frente a las cuales debemos cuestionar los orígenes de una belleza aterradora y sin compromisos, como no sea con el arte mismo.

“Yo vivo para crear imágenes que representan la lucha por la redención del alma humana”, se le ha escuchado decir.

Y es muy probable que esa haya sido desde siempre su función como artista. En incontables entrevistas se lee que su primer enfrentamiento con lo que sería su carrera fotográfica se dio cuando de chico fue testigo de un terrible accidente de tránsito, en el cual una niña pereció decapitada y el joven Witkin caminando por su barrio de Brooklyn, vio rodar a sus pies la cabeza de la pequeña muerta.

La galería universal de Witkin comprende todas las deformaciones físicas posibles y algunas que son casi imposibles de aceptar. Su respeto por aquellos que sufren de malformaciones, extrañas desviaciones congénitas y un largo etcétera de horrores, ha sido bien documentado. Gente de muchos países acude a él para ser fotografiada a cambio de un jugoso estipendio.

Sus temas tocan elementos relacionados con desviaciones sexuales, fetichismo, sado-masoquismo y aledaños, logrando mantenerse a flote sin caer nunca en el pastiche o los bajos fondos de la fácil conjura de la pornografía. Su arte está siempre propulsado por las musas del arte: Goya, Courbet, Reijlander, Velázquez, Brancusi, Seurat, Redon, Caravaggio, Rembrandt, Antonio Canova y Man Ray, son sólo algunos de los nombres de grandes, sobre los que ha basado sus composiciones fotográficas. Y, siempre fiel a sus instintos, ha coloreado sus homenajes a estos y otros artistas con el pincel de su inimitable creatividad.

Witkin no se deja admirar a simple vista. Está allí para demostrar que aún vivimos una época donde los atavismos de la impudicia y el dolor humano siguen siendo la constante sobre la que equilibramos nuestra satisfecha condición de sentirnos normales las veinticuatro horas del día.

Su arte nos acerca un poco más a nuestras realidades simples, mientras que a nuestro alrededor el mundo sigue siendo la antigua miasma secreta y maloliente donde se han cocinado todas las infamias desde el mismísimo fondo de la historia.

En 1992, el entonces Ministro de Cultura de Francia, Jack Lang, le confirió la Orden de Caballero de la Legión de Honor de las Artes y Letras, altísimo homenaje a este artista norteamericano.

Su reacción y subsecuente acción nos lleva a quitarnos el sombrero ante este personaje: una vez de regreso a su finca-estudio, en Nuevo México, cogió el diploma y armado de clavos y martillo claveteó el certificado de su título honorífico en la puerta de su cuarto oscuro como si fuera una mariposa desvalida.

Alberto (Beto) Borja

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sat, 26 Sep 2009 08:19:00 +0000

Toda la vida, hasta su muerte acaecida un día como hoy, Septiembre 26 de 1997, se le llamó Beto. Mi hermano menor, atleta y esteta, amigo fiel y buen contador de historias. Su pasión era la música del Caribe y el buen Jazz. Entre sus afanes varios se incluían la buena literatura y la pintura; una mesurada aproximación a escribir prosa y a disfrutar la buena rumba. Jugador de Water Polo y representante internacional del "combinado patrio", como le gustaba llamar a la selección nacional de Colombia en su deporte favorito. Vivió en estados Unidos y Europa pero siempre regresó al terruño, hasta que decidió quedarse para siempre en 1986. La vida le fue generosa en afecto y ese afecto es recordado hoy por su hermano, quien escribe estas lineas, para rescatarnos a todos un poco del olvido.
En la fotografía tomada en el patio de la casa paterna en Cali en 1982, aparece con mi hija mayor, Sahara, uno de sus grandes amores hasta la llegada de su propia hija.
Hoy, desde esta playa lejana, recuerdo su espíritu y acompaño en el alma a su viuda, Ana Paula González y a su hija Paula Catalina Borja.

Abanico

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sun, 20 Sep 2009 10:13:00 +0000

Say bloody cheese...

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sun, 20 Sep 2009 10:12:00 +0000

Pescadores

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sun, 20 Sep 2009 10:10:00 +0000

Perrito saltarín

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sun, 20 Sep 2009 10:06:00 +0000

Night by night

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sun, 20 Sep 2009 10:05:00 +0000

Day by night, London

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sun, 20 Sep 2009 10:02:00 +0000

Lalo and Sahara, Cali 1996

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Thu, 17 Sep 2009 14:43:00 +0000

Pepe y la baldosa

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sun, 06 Sep 2009 10:58:00 +0000

Hombre en calcetines

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sun, 06 Sep 2009 10:56:00 +0000

Seres sin rostro

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sun, 06 Sep 2009 10:44:00 +0000

Desde la pública ventana sobre la avenida estos seres sin rostro miran impasibles la diaria procesión de aquellos que marchan al trabajo.

El Sagrado Corazón en la distancia, Paris

lalo.borja@gmail.com (Lalo Borja) — Sun, 06 Sep 2009 10:41:00 +0000